アニメーションはとても大きな産業です。アニメーターというと、ディズニーやピクサーでオスカー賞を受賞した映画を制作する人々と考えるかもしれませんが、アニメーターはさまざまなツールを使用してさまざまな業界で活躍しています。
現在働いているアニメーターの多くには共通点があるでしょう。アニメーションアーティストは、デジタルソフトウェアを使用して、美しいストーリーを伝えることができます。Animation Deskはソフトウェアツールの 1 つであり、これからアニメーション制作を始めようとしている初心者やプロのアニメーターでも直感的にアクセスできるように設計されています。
今回は１８種類のアニメーションスタイルをご紹介し、Animation Deskなどのデジタルテクノロジーがアニメーションの制作をどのように支援できるかについて解説します。あなたの好みのアニメーションタイプを発見し、アニメーション作品の制作を開始できるようになることを願っています。
目次
アニメーションとは?
テレビやインターネットに接続されたデバイスを持っているほぼすべての人が、何らかのかたちのアニメーションを見たことがあるでしょう。しかし、アニメーションが正確に何であるかを定義するのは難しいかもしれません。古いストップモーションアニメのビデオやピクサーの3Dアニメーション、またはより伝統的な2Dアニメを見ていたとしても、あなたは何らかの形式のアニメーションに興味を持っていたことでしょう。
一般的な定義として、ブリタニカ百科事典はアニメーションを「無生物を動いているように見せる芸術」と定義しています。アニメーターがこれらの無生物に動きの錯覚を与えるアニメーションプロセスは1つの側面に過ぎませんが、これはすべての形式のアニメーションに共通しています。
アニメーションは何世代にもわたって、一般的なマーケティングコンテンツやエンターテイメント業界の創造に貢献してきましたが、おそらく多くの人が信じているよりもさらに上を行っています。歴史上最初に記録されたアニメーターは、ギリシャとローマの神話に登場する彫刻家、ピグマリオンとして知られています。彼の作品はタイムラインの非常に早い段階にあり、最終的には今日あなたが知っていて愛しているアニメキャラクターをフィーチャーした映画につながりました。
ストーリーテリングアニメーションのビデオや映画は今日、インターネットやストリーミングサービスのいたるところで見つけることができますが、今回私たちはアニメーションが歩んできた長い歴史と、アニメーションという芸術的分野を構成するさまざまなスタイルについてご紹介したいと考えています。一連の画像を使って動きを見せることから始まったものは、数十年に及ぶ作業を通じて作成されたソフトウェアをフィーチャーした数十億ドル規模の3Dアニメーション映画にまで成長しました。
この長い歴史の紹介を始めるにあたって、最も初期のアニメーションの1つであるフェナキストスコープについて説明したいと思います。
フェナキストスコープ
最初に、最も古いアニメーション技術の1つで、アニメーションの先駆者であるフェナキストスコープについてご紹介しましょう。この装置に関する興味深い事実は、この装置が 2 人の別々の発明者によって、お互いを知らずに同時に作成されたということです。1832 年にジョセフ・プラトーとシモン・フォン・スタンファーは、互いに数週間以内にフェナキストスコープとして知られる装置を発表しました。
このデバイスの基本的なアイディアは、丸いボール紙のディスクに一連のイメージが描かれるということです。このシーケンスは、互いにわずかに異なる画像で構成されています。連続して見ると、動いているように見えますが、これがアニメーションの基本的なコンセプトです。
次に、ボール紙のディスクをハンドル付きのスピンドルに取り付けて、ディスクを回転させて画像を動かし、「動き」を見せます。
それ以来、アニメーションの技術やテクノロジーは大きく進歩しましたが、独自のフェナキストスコープを作成してアニメーションの旅を始めるのは依然として楽しいものです。創作を支援するためのより高度なアニメーションソフトウェアをお探しの場合は、 Animation Deskを試してみることを検討してください。Animation Deskを使用すると、フェナキストスコープの作成に必要なキーフレームを作成してエクスポートできます。このソフトウェアには、他にも伝統的な形式のものから現代的なものまで試せるアニメーションが多数あります。
ゾートロープ
フェナキストスコープの直後、ゾートロープが作成されました。しかし、ミルトンブラッドリー (ボードゲーム会社) が作成した最も人気のあるバージョンが市場で成功するまでには、何年もかかりました。ゾートロープは基本的にフェナキストスコープの円筒形バージョンとして作られました。この新しい形式により、フェナキストスコープと比較して動きをより便利に表示できるようになり、複数の人が同時にアニメーションを見ることができるようになりました。
ゾートロープでは、アニメーションを形成する一連の画像が、小さなドラムの周りに並べられた紙片上にあります。ドラムの側面にはスリットがあり、ドラムはスピンドルに取り付けられています。このドラムの回転が速いほど、アニメーションがより滑らかに表示されます。このデバイスの独自バージョンを作成することもできますが、さらに便利なツールがあります。
Animation Deskを使用すると、一連のイメージを計画して作業フォーマットを確立することができます。画像フレームをフレームごとにエクスポートして、ゾートロープドラムに配置できる紙ストリップに印刷できます。
ゾートロープの最初のデザイン以来、アーティストはさらに複雑で驚くべきゾートロープアニメーションを作成する技術を開発してきました。
ライトニング・スケッチ
フェナキストスコープとゾートロープはアニメーションの初期の興味深い一面を垣間見ることができますが、どのようにしてそれらが今日私たちが見ているアニメーション映画へと変化していったかを理解するのは難しいかもしれません。アニメーション映画の前のもう一つのステップと考えられている人気のあるアニメーション技術の1つは、ライトニング・スケッチです。
ライトニング・スケッチは、19 世紀末の一時期、ボードヴィルで人気がありました。出演者は大きなイーゼルに絵を描きながら独白し、物語を伝えるのに役立つ素早い変化を行いました。ジョルジュ・メリエスはこの芸術形式の先駆者であり、彼の画期的な映画「The Living Playing Cards」は、アニメーション映画とストーリーテリングの初期の先駆けとなる作品です。
伝統的なアニメーション
ライトニング・スケッチの後、最初の「真の」アニメーション映画は、ウォルト・ディズニースタジオとその大ヒット作「白雪姫」によって最も人気を博した伝統的なアニメーション技術をフィーチャーすることになります。従来のアニメーションは、描画と着色によって作成されたアニメーションを特徴としています。あなたが知っている初期のアニメーション映画のほとんどにはセルアニメーションも含まれています。
セルアニメーションの場合、映画は「セル」上に描かれた図面で構成され、環境の一貫性を保つために複数のセルが重ねられます。この技術により、キャラクターの動きやアクションが可能になりました。セルアニメーションは 1915 年にアール・ハードとジョン・ブレイによって発明され、彼らの創作は最終的に最も人気があり、最も人気のあるアニメーション技術の1つとなりました。これは、コンピュータ生成画像 (CGI) とソフトウェアによって 3Dオブジェクト、キャラクター、映画が誕生するまでのことでした。
従来の手描きの2Dアニメーションは現在と同じ方法で実行されていない可能性がありますが、デジタル2Dアニメーションは依然として従来の手描きアニメーションと同じ美学の多くを (より簡単で安価な方法で) 実現できます。
黒板アニメーション
ライトニング・スケッチに近い親戚である黒板アニメーションも、初期のアニメーション形式の 1 つです。ライトニング・スケッチはライブパフォーマンスでの使用により人気がありましたが、黒板アニメーションは必ずしもライブパフォーマンスであるとは限りません。実際、最も人気のある例のいくつかはライブではありませんでした。
エミール・コールは、史上初の手描きアニメーション映画であると主に考えられている長編アニメーション『ファンタスマゴリー』で知られています。この映画は、アーティストが黒板を使って画像を描いたり消したりしてストーリーを語る、黒板アニメーションに似た様式化されています。面白いことに、エミール・コールは自分のフィルムをチョークで描いているかのように様式化したかもしれませんが、実際にはネガフィルムに絵を描くことでファンタスマゴリーを完成させました。
黒板が一般的に使用されなくなったため、このアニメーションスタイルも少し衰退しました。このスタイルをより現代的に取り入れたものが、黒板の代わりにホワイトボードを使用するホワイトボードアニメーションです。このスタイルは近年 YouTubeで注目を集めています。例としては、「draw my life」タイプのビデオが挙げられます。これらのビデオでは、多くの場合、このスタイルのアニメーションとストーリーテリングが特徴です。
人形劇アニメーション
人形劇アニメーションは、セサミストリートのキャラクターとは少し異なり、ストップモーションアニメーションの一種と考えることができます。人形劇アニメーションでは、人物がポーズをとり、写真を撮り、再びポーズをとり、順番に見ると徐々に動いているような錯覚を与えます。人形劇アニメーションの最も初期の先駆者の1人は、数カ月かけて世界初の人形アニメーション映画を制作したバレエマスターのアレクサンドル・シリャエフです。
この先駆的な映画に続く数年で、新しくさらに野心的な人形アニメーションプロジェクトが生まれ、1935年には史上最大の人形アニメーション映画が公開されました。「The New Gulliver」として知られるこの映画には、1,500体以上の人形が登場し、さまざまな人形のアニメーションと実写を融合して使用されています。
ストップモーション・アニメーション
ストップモーション・アニメーションは、むしろ包括的な用語であり、クレイ・アニメーション (ウォレスとグルミット等) など、多くのサブスタイルを特徴としています。クレイメーションは、ティム・バートンの作品によってさらに人気が高まりました。
ストップモーションが発明されたとき、ストップモーションに関連する「ストップトリック」として知られる技術が、1895年にはエジソン社の作品「メアリー女王の処刑」で使用されました。
ストップモーション・アニメーションは、従来のアニメーションと同じ原理で動作します。従来のアニメーションでは、微妙な変化を伴う個々のフレームを順番に表示することで、動いているような錯覚を生み出し、キャラクターやオブジェクトを本物のように見せます。
ストップモーション・アニメーションでは、粘土の人形や他のモデルを使用して同じ効果が得られます。ストップモーション・アニメーションを制作する会社では、アニメーターはキャラクターにポーズをとらせ、一度に1フレームずつ撮影し、モデルを調整して、これらのフレームを１つにまとめて高速に連続して表示します。
カットアウトアニメーション
カットアウトアニメーションが他のストップモーション・アニメーション、さらには従来のアニメーションと比べて優れているのは、その 2 次元性です。クレイアニメでは、通常、表示されるフィギュアは3Dになります。より現代のデジタルアニメーションや CGI もこの形式を採用します。カットアウトアニメーションでは、フィギュアは通常、紙またはボール紙で構成されます。これは、通常、フィギュアが2Dのキャラクターやオブジェクトとしてフィーチャーされることを意味します。
知られている世界最古のカットアウトアニメーション映画は、アルゼンチンのアーティスト、キリノ・クリスティアーニによるものです。比較的安価な素材と表現力のため、初期のアニメーション作品の多くはこの手法を利用していました。現代の人気のカットアウトアニメーション作品には、サウスパークなどの番組の初期のエピソードや、モンティ・パイソンのフライングサーカスの有名なシーンなどがあります。
フリップブックアニメーション
フリップブックアニメーションは、アニメーションのもう1つの伝統的な形式 (フェナキストスコープよりも古い) であり、現在でも一部で使用されています。ポストイットやインデックスカードを使って、本のさまざまなページをめくるときにボールが弾むように見える独自のパラパラ漫画の作成に夢中になったことがある人もいるでしょう。このようなものを作成したことがある場合は、フリップブックアニメーションの作成に成功したことになります。
このテクニックは創造力を使えば比較的簡単に行えます。フリップブックアニメーションを使用すると、連続するページに一連の画像を描画します。本のページを素早くめくると、動きやアニメーションが表示されるように見えます。これは、フェナキストスコープとアニメーションの始まりを生み出したのと同じ概念です。
パラパラ漫画は確かにより複雑になってきていますが、今日見られるアニメーションの最も主流の形式ではありません。ただし、フリップブックを使用すると、最終的なアニメーションの適切なシーケンスを概念化し、プロジェクトを完了するために必要な時間と労力を考慮できるため、アーティストにとっては優れたツールになります。
モーショングラフィックアニメーション
モーショングラフィックアニメーションは、あまり知られていないアニメーションスタイルの1つかもしれません。モーショングラフィックアニメーションは、グラフィックデザインとアニメーションを組み合わせたものです。一般的に次のような場所で使用されます。
・解説ビデオ
・教育ビデオ
・広告やプロモーションビデオ
モーショングラフィックアニメーションは、モーションデザインとも呼ばれます。キネティック・タイポグラフィとも呼ばれるタイポグラフィアニメーションが頻繁に使用されます。このテクニックはマーケティング資料で広く使用されているため、YouTubeやテレビの広告で一度は目にしたことがあるでしょう。
コードベースのアニメーション
コードベースのアニメーションは、CSSアニメーションやJavaScriptアニメーションなどのコーディング言語の使用に依存して、アニメーションシーンやイメージを作成するアニメーション手法です。これらの言語を使用して、プログラマーは従来のアニメーターと同じように、画像の外観と動きを詳細に記述しながら、膨大なコード行を通じてシーケンスを計画します。
最近のアニメーション(3DやCGI)の多くはソフトウェアにコードを使用していますが、明示的にコードベースのアニメーションとは異なります。このタイプのコーディングでは、コンピューター生成の画像やアニメーション自体を作成するコードではなく、描画やアニメーション化に使用される特別なソフトウェアが必要です。これはあまり目立たないアニメーション形式ですが、実際に見る機会があると信じられないほどの光景です。
3Dアニメーション
3Dアニメーションは、ピクサーのようなスタジオがこの技術をフィーチャーした画期的な映画を制作したことにより、アニメーションの最も著名な形式の1つになりました。3Dアニメーションを使用すると、アニメーション化されたキャラクターやオブジェクトが3次元エンティティとしてレンダリングされ、映画により現実的な効果が与えられます。
3Dアニメーションの歴史の中で最も注目すべき初期の映画は、ピクサーのスタジオとしての初期作品であり、3Dアニメーションの機能を世界の多くに紹介した映画である『トイ・ストーリー』です。
3Dアニメーションのプロセスは、アニメーション映画空間に多くの新しい役割も導入しました。リギング、照明、キャラクターデザイン、環境デザインは、大規模な3Dアニメーション作品の作成における重要な役割のほんの一部です。
ピクセルアニメーション
ピクセルアニメーションは、古いビデオゲームでの使用で最もよく知られているかもしれません。8ビットのビデオゲームでは、キャラクターの「スプライト」のピクセルアートバージョンが特徴で、これを操作して楽しむゲームを生み出します。スーパーマリオはピクセルアニメーションの有名な例です。ゲーム機能をサポートするためにアニメーション化されたピクセルで作られた小さなキャラクターを操作します。
ピクセルアニメーションは、コンピュータ アニメーションやアーティストの専門分野において、今日でもある程度の注目を集めていますが、ほとんどのゲーム開発者からは人気がなくなっています。
ライブアクション・アニメーション
ライブアクション・アニメーションは、CGIとビデオ撮影を組み合わせて、実際の俳優とアニメーションのキャラクターや環境を組み合わせてストーリーを伝える、非常にユニークなアニメーション技術です。
「ココ・ザ・クラウン」は、現実世界と対話するために実写映画で利用された最初の主要キャラクターの1つです。『スペース・ジャム』や『ロジャー・ラビット』などの映画は、本物の俳優や場所をアニメーション作品と一緒に出演させた現代のライブアクション・アニメーション映画の人気のある例です。
ロトスコープ
ロトスコープ・アニメーションはアニメーションの初期に重要であり、現在でもその有用性を保っています。ロトスコープでは、アニメーターは現実のモデルを使用します。彼らの動きを「トレース」して、よりリアルな動きを持つキャラクターのデジタルアニメーションを生成します。
ロトスコープが登場する前は、キャラクターの動きがぎこちなく、説得力がないとして批判されていました。それでも、現実の俳優がシーンを演じている映像を使用することで、アニメーターはより現実的な動きを生み出すためのガイドラインを得ることができます。「ココ・ザ・クラウン」のキャラクターも、実写設定でキャラクターにより本物に近い動きを与えるためにロトスコープが使用されています。
メカニカルアニメーション
メカニカルアニメーションが映画で使用されることはあまり知られていません。むしろ、このテクニックは、機械やその他のデバイスが動作するプロセスをデモンストレーションするのに役立つ教育ツールとして重要です。メカニカルアニメーションを使用すると、機械のリアルな3Dモデルレンダリングが作成され、その機能プロセスがアニメーション化されて、機械が従う機械プロセスを観察できます。
メカニカルアニメーションは、アイディアのプロトタイプを作成し、デバイスの機能で発生する可能性のある問題を特定するのに役立つ優れたツールです。投資家や学生が自分のデバイスの詳細をより深く理解するのに役立ちます。
拡張現実アニメーション
先ほどライブアクション・アニメーションについて説明しましたが、拡張現実アニメーションは基本的に同じアイデアを映画の外の現実の状況に適用します。拡張現実（AR：Augmented Reality）は徐々に普及してきています。Snapchatのようなアプリでは、ユーザーが衣装を試着したり空想の場所で写真を撮ったりできるように、ARのフィルターが導入されています。
拡張現実アニメーションでは、3D環境のキャラクターやオブジェクトが現実の背景にオーバーレイされ、現実世界のオブジェクトのリアルな外観が提供されます。
これらのアニメーションは通常、配置されるオブジェクトの背景となるスマートフォンやカメラを通じて表示されます。ARメガネ(Google GlassやSnap Glassなど) は、ARアニメーションを視聴する代わりにハンズフリーで利用できるアイテムです。
仮想現実アニメーション
拡張現実アニメーションの次に、仮想現実アニメーションは、今回ご紹介した中で最も最先端のアニメーション技術であるかもしれません。仮想現実はずっと前にもっと原始的な形で導入されましたが、それ以来、消費者にとって信じられないほどアクセスしやすいものになりました。Oculusなどのヘッドセットにより、VRはさらに有名になりました。
VRアニメーションを使用すると、視聴者はアニメーションの世界に完全に没入できます。VRビューアを使用すると、目の前の画像を見て操作できるため、VRアニメーターはまったく新しい視点から世界やシーンを構築できます。VRはまた、視聴者にお気に入りのアニメーションストーリーと対話するためのこれまでにない方法を提供しています。
Animation Deskを使用して独自の素晴らしいアニメーションを作成しよう
私たちが共有した18種類のアニメーションスタイルの中から、他のスタイルよりも優れている、またはより楽しいものを選択するのは、不可能ではないにしても、困難です。それぞれのスタイルには独自の強みがあり、アーティストは想像力と能力を探求できます。
これらのアニメーション技術すべてに共通していることの1つは、それらがストーリーを伝えたいという欲求から生まれたということです。時間が経つにつれて、アーティストやエンジニアはアニメーターにさらに強力な新しいツールを提供するために、これらのテクニックを改良し続けました。
今日では、デジタル環境のアニメーションソフトウェアを使用して、フェナキストスコープ用の紙フレームの印刷やCGアニメーション用の3Dキャラクターのリグなど、これらのアニメーション技術のほぼすべてを支援することができます。
Animation Deskは、これらの強力なアニメーションツールを1つの便利な場所に組み合わせて、ストーリーを伝えたいアーティストがアニメーションにもっと簡単にアクセスできるように作成されました。他のアニメーターがAnimation Deskを活用して、どのような作品を生み出したのかぜひチェックしてみてください。